La Agencia Córdoba Cultura presenta una programación renovada con propuestas para todos los gustos: instalaciones inmersivas, muestras históricas y patrimoniales, y exposiciones de artistas consagrados y emergentes.
Con entrada gratuita los miércoles y descuentos para estudiantes, jubilados y familias, los museos y espacios culturales te esperan para disfrutar del arte, conocer nuevas miradas y vivir experiencias únicas.
Mirá todo lo que podés visitar este mes y armá tu recorrido cultural por Córdoba.
Horario: martes a domingo y feriados, de 10:00 a 19:00 hs.
Las entradas se adquieren en la recepción del museo, instantáneamente al momento de realizar la visita, o de manera anticipada en el sitio web autoentrada.com
Tarifas: Días miércoles, gratis para todo público. Menores hasta 16 años, estudiantes con certificado de alumno regular, jubilados y/o personas con discapacidad con credencial, ingresan gratis todos los días.
Entrada general $3.000. Combinada, sólo Museos Evita/Caraffa/Dionisi $6.000.
Entrada familiar de hasta 6 integrantes $6.000.
“Luz y tiempo en Córdoba: tesoros de la Lotería” – Obras de la Pinacoteca de la Lotería de Córdoba.
Es una muestra de pinturas que propone un recorrido por paisajes cordobeses que, desde distintas miradas y épocas, narran la transformación de la provincia. Las obras, pertenecientes a la Pinacoteca de la Lotería de Córdoba, integran una colección pública que por primera vez se presenta ante la ciudadanía. A través de artistas como Onofre Roque Fraticelli, Ramón Ernesto Villafañe, Carlos Camilloni y Olimpia Payer, se despliegan escenas que capturan la esencia del territorio: cúpulas y arrabales, el ferrocarril como símbolo de progreso y su posterior declive, la vida cotidiana y la persistencia del paisaje como testigo del paso del tiempo. El conjunto funciona como una memoria visual de Córdoba, donde la luz y el tiempo se entrelazan para revelar los cambios sociales, urbanos y culturales de la región. Al exhibir estas obras, el Museo Caraffa y la Lotería de Córdoba ponen en valor el sentido del arte público como patrimonio vivo, destinado a ser visto, interrogado y sentido por la comunidad a la que pertenece. En sala 0 hasta 1 de marzo de 2026.
“Un poco de todo… casi nada”- Eduardo Medici.
La muestra presenta una selección antológica de la obra de Médici, centrada en aquellas piezas que, por distintas razones, habían sido des cartadas, olvidadas o relegadas en el proceso creativo. En esta ocasión, el artista las recupera para ponerlas nuevamente en diálogo y reconocer en ellas la esencia de su búsqueda artística, hecha de intuición y reflexión. Médici entiende su trabajo como un diario visual, un registro personal donde lo íntimo se transforma en arte. Cada obra nace de procesos de ocultar, apropiarse y descubrir, mostrando que el arte es una forma de conocimiento que avanza también a través de la duda y lo desconocido. Como dice el propio Médici: “si las obras son residuos, estos trabajos son residuos de residuos”. Al rescatarlas, el artista ilumina los caminos que lo llevaron a crear otras piezas y nos permite entender mejor la sensibilidad que atraviesa todo su universo artístico.
Con curaduría de Alejandro Davila. En sala 2 hasta 1 de marzo de 2026.
“Raíz del tiempo” – Liliana Menendez.
La muestra que reúne cerámicas, dibujos y libros ilustrados propone un recorrido por un territorio donde la imagen y la palabra se confunden, se rozan y se transforman mutuamente. Al entrar, el visitante percibe una atmósfera de blancura y silencio que convierte la sala en una verdadera caja de resonancia: un ámbito donde las formas parecen emitir sonidos, y las letras, líneas y tramas dialogan en una polifonía visual. En el centro conceptual de la exposición, dos grandes rollos condensan el núcleo de su poética: variaciones caligráficas y botánicas, escrituras fragmentarias, signos que remiten a alfabetos imaginarios o a trazos casi musicales. Su trabajo invita a pensar el dibujo como una forma de escritura, y la escritura como un modo de dibujar. Sus obras exploran los límites entre lo visible y lo legible, entre la naturaleza y la escritura, con trazos que evocan alfabetos imaginarios y paisajes botánicos. Con curaduría de Jorge Sarsale. En sala 3 hasta 1 de marzo de 2026.
Heart for Art / Al Corazón del Arte: La Copia como Práctica Artística y Educativa.
La muestra presenta los resultados del proyecto educativo internacional desarrollado en conjunto por el Museo Van Gogh, DHL y el Museo Caraffa. A través de esta iniciativa, estudiantes, docentes y familias se acercaron a la vida y obra del célebre artista neerlandés. Las actividades realizadas en el marco del programa invitan a reflexionar sobre el papel de la copia en la enseñanza del arte, su valor como herramienta didáctica y su potencial para estimular la interpretación crítica del arte y del patrimonio cultural. Copiar una obra no significa simplemente reproducirla, sino también comprender sus gestos, su escala y su presencia material. En un contexto donde las imágenes se difunden principalmente a través de pantallas o libros, el encuentro con una obra en su tamaño y espacialidad originales recupera la experiencia sensible del arte y revive el gesto fundamental de todo artista: observar, copiar y aprender para crear. La exposición incluye tres réplicas certificadas de obras de Vincent van Gogh: La cosecha, La habitación y Almendro en flor, junto con los trabajos realizados por estudiantes, docentes y familias a lo largo del año. En Sala 4 hasta el 1 de marzo de 2026.
“Imágenes de un mundo flotante” – Liliana Fleurquin.
La muestra reúne obras que exploran la abstracción geométrica desde una mirada sensible y poética. A través de collages, óleos y papeles, la artista investiga la relación entre color, forma y estructura, creando composiciones donde el equilibrio convive con la tensión. Sus series Kimono, 2 x 4 y Cuadrado revelan un proceso de trabajo meticuloso, donde cada fragmento, línea y textura se transforma en una composición geométrica que sugieren estados de ánimo y resonancias poéticas. Cada obra es el resultado de un largo proceso de experimentación, en el que la artista hace y deshace, fragmenta y reorganiza, hasta alcanzar una armonía que parece vibrar. En su universo visual, lo geométrico se vuelve sensible y lo abstracto, profundamente humano. Con curaduría de María Laura Rodríguez Mayol. En sala 5 hasta 1 de marzo de 2026.
¿Dónde caen los olivos? – Soledad Sánchez Goldar.
En esta muestra, la artista plantea una reflexión sobre cómo nos situamos ante la crueldad organizada de la guerra y de qué modos es posible mantener viva la memoria. A través de bordados negros sobre negro, acciones implícitas y paisajes reconstruidos del horror, Sánchez Goldar busca invocar la experiencia de la memoria viva. Su trabajo nos invita a habitar un territorio en el que lo poético no suaviza la violencia: la intensifica, la vuelve visible y sensible.. En la sala 7, una serie de telones suspendidos con textos bordados casi imperceptibles conforman un espacio de tránsito entre la ausencia y la presencia. En la sala contigua, una línea de vajilla rota (reparada y observada desde la distancia) nos enfrenta a la pregunta sobre nuestra propia posición frente a la crueldad y el olvido. Cada obra es un gesto de reparación, una pregunta abierta, un acto de resistencia poética. Con curaduría de Joaquín Barrera. En salas 6 y 7 hasta el 1 de marzo de 2026.
“Dos mundos, la misma esencia” – Alejandra Tolosa.
La muestra propone en su narrativa un encuentro entre el mar y el bosque como metáfora de los ciclos vitales que sostienen la existencia. A través del grabado y el bordado, la artista crea un territorio sensible donde las imágenes dialogan con la materia y la memoria natural. En Esencia de Bosque, once telas intervenidas revelan la energía de los árboles, su capacidad de generar oxígeno, refugio y vida. En Esencia de Mar, tres olas translúcidas formadas por gasas grabadas con conchas, caracoles y estrellas de mar evocan el movimiento del agua, su fuerza creadora y protectora. Ambas instalaciones trazan una narrativa visual que nos invita a reconocer la profunda conexión entre los elementos y a repensar nuestro vínculo con la naturaleza. En su poética ambiental, Tolosa no sólo celebra la belleza del mundo, sino que también convoca a una toma de conciencia sobre su fragilidad y la urgencia de preservarlo. Con curaduría de Graciela Szamrey. En salas 8 y 9 hasta el 1 de marzo de 2026.
Horario: martes a domingo y feriados, de 10:00 a 19:00 hs.
Las entradas se adquieren en la recepción del museo, instantáneamente al momento de realizar la visita, o de manera anticipada en el sitio web autoentrada.com
Tarifas: Días miércoles, gratis para todo público. Menores hasta 16 años, estudiantes con certificado de alumno regular, jubilados y/o personas con discapacidad con credencial, ingresan gratis todos los días.
Entrada general $3.000. Combinada, sólo Museos Evita/Caraffa/Dionisi $6.000.
Entrada familiar de hasta 6 integrantes $6.000.
“Del Retrato y sus sombras”– Roberto Huarcaya
Compuesta por fotogramas —imágenes fotográficas realizadas sin cámara, directamente sobre papel fotosensible— de gran escala, la exposición propone una experiencia visual y poética que invita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano, el territorio y la percepción. La propuesta surge a partir de una residencia del fotógrafo en la selva amazónica peruana. En lugar de registrar fotográficamente la naturaleza de manera tradicional, sus fotogramas la invocan: son el resultado de un contacto físico, directo y respetuoso con el entorno, donde la imagen se transforma en huella, rastro, presencia.
Huarcaya es fotógrafo y gestor cultural, formado en Psicología, Cine y Fotografía. Fue fundador, director y docente del Centro de la Imagen de Lima. Su obra ha sido exhibida en bienales y ferias internacionales como Venecia, PhotoEspaña y Art Basel Miami, y forma parte de importantes colecciones como la Maison Européenne de la Photographie (París). Cierra 16 de noviembre de 2025
Proyectos ganadores de la Convocatoria Abierta Museo Palacio Dionisi:
“La imagen como matriz” – Eric Markowski
Una muestra que indaga en los vínculos entre fotografía e industria, recuperando lógicas compartidas como la repetición, el recorte, la serialización y la transformación de materiales. A través de una metáfora visual, propone generar nuevas imágenes a partir de fragmentos de otras, cuestionando las nociones de original y copia. En particular, enfoca la industria de la carne —una de las más relevantes del continente entre fines del siglo XIX y mediados del XX— para explorar su cruce con la producción artística. A partir de moldes, piezas y desechos industriales utilizados en la elaboración de latas de carne, se ensamblan composiciones fotográficas que revelan huellas de un pasado fabril y migrante, desde los puertos del litoral hasta las grandes ciudades industriales de Argentina. Un ejercicio visual y político que rescata los restos de un paisaje desindustrializado que aún configura nuestro presente.
Markowski (La Plata, Argentina, 1987) es profesor, licenciado en Artes y doctorando en Arte por la UNLP. Realizó residencias y programas de formación en diversos países de América Latina y Europa, y participó en ferias como ArtRIO, BAPhoto y MAPA. Cierra 16 de noviembre de 2025
“Pewma / Yamagütrü” – Marcos Méndez
Una exposición que invita a recorrer visualmente territorios habitados por memorias vivas. Las huellas ancestrales de los pueblos Günün a Küna y Mapuche —en sus diversas identidades Rankulche, Lafkenche y Puelche— se manifiestan en paisajes, ceremonias y vínculos con la naturaleza, en lo que hoy son las provincias de La Pampa y Buenos Aires. Estas imágenes tejen un diálogo íntimo con lo espiritual, lo territorial y lo histórico, dando lugar a una mirada que contempla y reconoce la vigencia de saberes silenciados. En este andar fotográfico, la conexión con el Buen Vivir se vuelve un acto de resistencia y resembrar, una forma de habitar el presente desde la vitalidad de lo ancestral. En este contexto, Pewma (sueño) y Yamagütrü (despertar) emergen como expresiones de la cosmovisión mapuche que invitan a reconectar con los mensajes del mundo espiritual y activar una conciencia profunda en diálogo con la Tierra. Méndez es docente, artista visual y gestor cultural radicado en Trenque Lauquen, Buenos Aires. Publicó el libro Paisaje urbano / Lugar común (2013) y participó en muestras en FOLA, MUNT, la Casa del Bicentenario y el Museo de Arte y Memoria. Fue premiado en el Museo en los Cerros (2019), distinguido en el Salón Nacional de Artes Visuales (2022) y seleccionado en diversos concursos. Cierra 16 de noviembre de 2025
Punto de inicio:
“Después de agosto” – Victoria Echegaray
Un trabajo íntimo que, a partir de un álbum fotográfico familiar encontrado, explora la memoria, la pérdida y la identidad como un intento de completar lo que quedó inconcluso. Cierra 16 de noviembre de 2025
“Recuérdame. Un viaje al interior Wichi” – Ignacio Blua
Una serie que retrata la cultura, la lucha y la fortaleza del pueblo Wichi, destacando su conexión con la naturaleza y una forma de vida alejada del materialismo. Cierra 16 de noviembre de 2025
Horario: de martes a domingo de 10 a 19.
Tarifas: Días miércoles, gratis para todo público.
Entrada general $3.000. Entrada familiar de hasta 6 integrantes $6.000.
«Dibujo y Pintura” Marcia Schvartz – Eduardo Stupia.
Schvartz es una de las grandes artistas que surgió en la década del ‘80 de la mano de la “nueva imagen” y que fue madurando e enriqueciéndose con las dinámicas sociales. Los cuadros de sus comienzos están poblados de personajes suburbanos centrando su atención en toda clase de lumpen que habitan los márgenes de las estaciones, las bailantas y los hoteles de mala muerte de algunos barrios porteños. La artista cuya obra decodifica las más variadas expresiones de la condición humana, recorre los cimientos de sus ideas y conceptos, y ofrece la pintura como un ejercicio sensitivo. Los rostros de una realidad silenciada. La rebeldía de una naturaleza silvestre e indomable.
Con un lenguaje propio, Stupia desarrolla una impronta personal y distintiva a través de líneas, pintura, grafismos y juegos gráficos, donde convergen su conocimiento de la historia del arte, la literatura, el cine y su pasión por el jazz. Su estilo se caracteriza por la exploración de la condición humana y la sociedad contemporánea donde se presentan imágenes fragmentadas yuxtapuestas con texto creando una narrativa visual única. Sus obras, de diversos tamaños, son zapadas de gestos libres e improvisados donde hay contrapuntos entre lápices de diversos grosores, carbonilla, grafito, pastel a la tiza y al óleo, acrílico o esmalte sintético. También son protagonistas en su manera de decir, las manchas, sombras, texturas, borrones y acumulaciones de veladuras. Cierra 23 de noviembre de 2025
Horario: Capilla, Sala de Exposiciones y Fotogalería: Lunes a domingo de 10 a 19.
Aguas Danzantes de lunes a domingo de 17 a 21, show cada hora.
Entrada general libre y gratuita.
Sala de exposiciones:
“Códices de una tierra incógnita” – Roger Mantegani
La sucesión de obras impacta por sus proporciones y contrastes. El artista aborda tamaños monumentales en telones en los que predomina el blanco, de ellos surgen elementos diversos en trazados de líneas sueltas. La elección en las dimensiones favorece a un diálogo directo con la arquitectura del lugar. Luego muestra carbonillas en las que exterioriza su dominio de las técnicas clásicas del dibujo y una modalidad ingeniosa en el tratamiento de las perspectivas. Cierra 24 de noviembre de 2025
Fotogalería:
“El incendio de las flores” – Candelaria Magliano
La serie —en desarrollo desde 2018— se estructura en tres capítulos: «Unas tiras muy largas; la persistencia del amor»; «Solo a capella, perderse ¿para encontrarse?», y «Arder; infinito y volver a empezar.» En conjunto, estas tres piezas dialogan y tienen un eje en común: hablan de pérdidas y ausencias. Las narrativas tienen una función simbólica fundamental e irremplazable: construyen sentido; permiten hacer un espacio al dolor, al vacío. Antiguamente las religiones y las tradiciones eran las depositarias de los grandes relatos que, entre otras cosas, daban orientación y consuelo. “Yo crecí en una familia agnóstica y a mi alrededor las tradiciones y rituales estaban bastante vapuleados. El único recurso disponible ha sido contar”. Contar para saber, para entender, para integrar. A partir de la técnica conocida como mise-en-scène, se arman escenarios que fuerzan deliberadamente la realidad con el fin de atravesar lo evidente e interrogar lo invisible. Es un proceso lento, que implica pruebas, ensayos y errores. La construcción de escenas que luego son registradas mediante la cámara es una estrategia narrativa de larga tradición en la historia de la fotografía. Armar nuevas imágenes de situaciones que quizás nunca sucedieron realmente así en los hechos habilita un canal que permite explorar y representar con mayor hondura sensaciones y emociones. Así, mediante la escenificación y el montaje de elementos cargados de simbolismos y connotaciones, arribamos a situaciones ‘portales’ que permiten atisbar e iluminar recovecos de la memoria y la piel. Cierra 22 de febrero de 2026.
Horario: de martes a domingo de 10 a 19.
Entrada libre y gratuita
“La cerámica: un lugar” – Belén Riego
La obra de Belén Riego es una experiencia estética que trasciende la contemplación visual. Propone un vínculo con la cerámica que recorre lo sensorial, corporal y profundo. El barro no es solo materia a moldear: es un territorio vivo, un espacio que se construye desde la repetición, la resonancia y el gesto. Cada pieza, creada en serie, configura un paisaje sensible donde el cuerpo, el sonido y la materia dialogan. Habitar la cerámica, en esta propuesta, es adentrarse en un lenguaje que no solo se ve, sino que también se escucha y se siente. La artista convierte la cerámica en una presencia viva y nos invita a entrar en diálogo con las formas. permitiendo que el cuerpo se involucre, que el oído descubra, y que el tacto complete lo que apenas se insinúa. Es una invitación a detenerse, a escuchar lo sutil, percibir lo invisible que late entre la forma y el silencio.
Florencia Belén Riego es una artista visual cuya práctica se centra en la cerámica como medio para explorar la sensorialidad y la interacción corporal. Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Nacional de Córdoba (U.N.C., 2025) Su trabajo, a través de esculturas, montajes aéreos e instalaciones interactivas, transforma la materialidad cerámica en instrumentos orgánicos que dialogan con el entorno y el espectador.
“Entre alquimia y utopía”- Violeta Lemme
Entre alquimia y utopía ¿qué es mi obra?, mi obra es como un juego entre alquimia y utopía es un largo camino que me lleva a plasmar el sentir profundo de tantos seres que me habitan el gesto que devela habla del interior del ser creado como un trazo en el espacio con su propia materia, vida y movimiento contienen amores y odios pasión y calma muchos nacen en ceras, material dúctil y amable o en plastilina…y se materializan en bronce, hierro, resina, madera y mármol mucho de ese sentir nace con el dibujo donde al conectar con el modelo íntimamente obtengo un vislumbre de su humanidad y me permito expresar su espíritu y el mundo que nos habita.
Violeta Lemme, inició su carrera como dibujante y diseñadora gráfica. Estudió escultura con Carlos Peiteado y se especializó en la fundición de metales, particularmente bronce y plata. Desde 2001 se desempeña como profesora de escultura y orfebrería, y funde su propia obra. Ha realizado 23 exposiciones individuales y participado en más de 75 colectivas. Obtuvo premios destacados y continúa desarrollando su producción en su taller. Esculturas en fundición de bronce a la cera perdida y resina poliéster (2015–2025); dibujos en carbonilla y pastel (2000–2025).
“Anidaciones” – Mora Grynblat
La práctica de Mora se sitúa en la intersección entre la instalación, el diseño y el dibujo, explorando la relación entre lo orgánico, lo artesanal y lo escultórico. Sus obras se inspiran en formas de vida silvestre, procesos ecológicos y estructuras mínimas. A través de materiales como ramas, fibras y elementos tejidos, crea espacios que invitan a la contemplación y al asombro, generando atmósferas que oscilan entre lo poético, lo surrealista y lo especulativo. Su trabajo propone una experiencia sensorial donde la escala humana, la delicadeza de los materiales y la transformación de lo cotidiano abren la puerta a otros modos de vínculos, explorando nuevas posibilidades de existencia y simbiosis.
Mora nació en Córdoba, Argentina, en 1985. Desde 2003 estudia la Licenciatura en Escultura en la U.N.C. Su práctica se centra en la instalación, el site-specific y el dibujo. En 2019 funda un estudio de diseño y arte, desde donde desarrolla objetos e instalaciones en Argentina y Latinoamérica, combinando la producción artística con el diseño de luminarias. Su trabajo se orienta hacia lo artesanal, lo orgánico y lo silvestre. Uno de sus principales objetivos es generar conciencia sobre la necesidad de transformar nuestros vínculos y afectos entre los seres humanos y la naturaleza.
Selección de las recientes adquisiciones realizadas por el Gobierno de la Provincia de Córdoba para ampliar la colección que integra el acervo del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa.
Este conjunto reúne piezas como Latidos, de Vanesa Amenábar; Mujeres, de María Carmen de Araoz Alfaro; Encuentro en Latinoamérica, de Alda María Armagni; Gato gris, de Luciana Bertoloni; Ciclo mercurial, de Anahí Cáceres; Infierno, de Josefina Cangiano; Ilustración, de Nilda Zul Curet; Sin título (serie Poder animal), de Sara Fernández; La Celestina, de Clara Ferrer Serrano; Geranios, de Rosa Ferreyra de Roca; Un mundo sin nosotros #11 y #8, de Ana Gilligan; El vuelo de la reina, de Rosa González; Jazmín, de Mariana Guagliano; De la tarde hacia la noche, la desintegración y Todo a mi alrededor fomenta mi ilusión, de Fernanda Kusel; La alegría subversiva lo intenta (serie Escrituras), de Soledad Sánchez Goldar; y Escudos y Reconciliación, de Gisela Mailén Scotta.
Horario: de Lunes a Sábados de 10 a 19.
Entrada libre y gratuita
Polifonía en Cuatro Colores N° 2
Instalación en Sitio Especifico (SiteSpecific) del artista bahiense Mariano Ferrante, con una técnica de pintura y acrílico sobre muro, en una superficie aproximada de 250 m2 que se extiende en espacios interiores y exteriores del Centro Cultural Córdoba (Av. Poeta Lugones 401 – Córdoba Capital, Argentina). La obra de Ferrante toma como referencia sus Monocromos, pinturas acrílicas protagonistas de su última muestra en New York. En este caso, son construcciones rigurosas compuestas por líneas que forman una trama; la paleta es reducida: está compuesta solo por cuatro colores. Los métodos y herramientas que utilizó son absolutamente manuales y analógicos, cultivando y valorizando el oficio. Las sutiles alteraciones y aparentes errores, son, sin embargo, meditadas decisiones que dejan en evidencia el rastro humano, acentuando la sensibilidad presente en cada acto y la posibilidad de un cambio constante. Ferrante propone una nueva experiencia sobre el color, el tiempo y el espacio, en la pintura y en el mundo contemporáneo.
El espacio después
Pintura mural (que incluye pintura de las columnas e iluminación) de la artista bonaerense Leyla Tschopp. Esta instalación forma parte de una serie de obras que revisitan tradiciones pictóricas del siglo XX, especialmente aquellas que cuestionan el paradigma de la perspectiva lineal central, multiplicando los puntos de vista o introduciendo elementos de la abstracción. La superficie pictórica despliega la ilusión de planos escénicos que se abren hacia adentro y hacia afuera del muro, dando lugar a un intrincado laberinto de perspectivas cambiantes.
Horario: de martes a domingo de 10 a 19.
Tarifas: Días miércoles, gratis para todo público.
Entrada general $3.000. Entrada familiar de hasta 6 integrantes $6.000.
El museo está emplazado en una antigua casa y comercio del siglo XVIII. Se trata del único exponente de vivienda familiar del período colonial que se conserva en la ciudad capital. Su arquitectura conjuga de manera exquisita tipologías de la vivienda romana y andaluza. Así, constituye un fiel exponente del lenguaje Barroco del siglo XVIII en América. A través de sus diferentes salas y habitaciones se puede conocer la historia de la provincia y los modos de vivir y habitar en la Córdoba de antaño. Entre sus espacios se pueden apreciar las salas de Tertulias, el comedor formal, un oratorio privado, sala de música y el escritorio del Marqués de Sobremonte, quien habitó la vivienda entre 1783 y 1796.
Horario: de martes a domingo de 10 a 19. Entrada libre y gratuita.
El museo preserva una de las manifestaciones más importantes de la cultura popular de Córdoba. Allí se puede disfrutar de colecciones de los instrumentos tradicionales de los conjuntos, partituras, discos y fotografías de intérpretes y bailes populares que fueron moldeando la música popular seña identitaria de Córdoba. También hay recuerdos y archivos de sonido y fílmicos de los programas emitidos por radio y televisión más característicos del género. Un museo que revaloriza los casi 80 años de la música popular cordobesa.
Horario: de lunes a viernes de 9 a 15.
Entrada libre y gratuita.
La galería de fotografías ubicada en el que fue el despacho de los gobernadores, recupera la historia de los 57 gobernantes constitucionales cordobeses desde 1820 a la actualidad.
Horario: de lunes a viernes de 8 a 20.
Entrada libre y gratuita.
¿Quien es ese joven?
“¿De qué viven?”
Exponen: Noe Amaya/ Analía Arias Bildoza/ Carla Betarel/ Caro Cerutti/ Betiana Conill/ Clarisa De Lellis/ Valentina Divoy/ Milagros Funes/ Micaela Gordon/ Belito Greco/ Mónica Gutiérrez/ Jesica Mancilla/ Daniela Mercado/ Rocío Ortiz/ Agustina Prebisterio/ Lula Uzumaki y Jimena Segre.
¿Es posible que el arte sea el único motor de vida para un artista? ¿Viven los artistas de su arte? Existe una creencia común de que los artistas dedican su vida únicamente al arte, como si su existencia fuera una entrega exclusiva a la creación. Sin embargo, ¿Es realmente así? ¿Acaso no existen otros factores que influyen en su vida cotidiana, como la necesidad de trabajar para subsistir? En el caso de las mujeres, ¿No existen, además, otros factores como tener que cargar al hombro la crianza y sostén de su hogar y trabajar al mismo tiempo? La realidad de muchos artistas es que, además de su pasión creativa, deben enfrentarse a las demandas del día a día de la sociedad en la que habitan.
El proyecto expositivo nace de la necesidad de visibilizar las realidades de un colectivo de mujeres artistas, buscando romper con el prejuicio persistente de que las artistas se dedican únicamente a la creación y no realizan otros trabajos para sostener su vida cotidiana y la idea errónea de que el arte no es trabajo. La muestra apunta a mostrar que, detrás de cada obra, existe una realidad compleja en la que el arte es solo una parte de la vida de estas mujeres, quienes luchan por equilibrar sus pasiones y responsabilidades de la vida diaria. Cierra 26 de noviembre de 2025
“Ensayos para una explosión”
Expone: Mariano Bechi
El proyecto surge a partir de un personaje ficticio piromaniaco, una especie de alter ego del autor que solo piensa en el fuego. Al focalizar solo en ese elemento puede analizar exhaustivamente su uso y sentidos en la historia de la humanidad. Los ensayos surgen a partir de la búsqueda y experimentación con diferentes materiales. En la propuesta expositiva la intención del autor es amplificar la experiencia de habitar un espacio bajo una amenaza constante de explosión, bajo ese peligro frente a lo inminente. Le interesa el tiempo simbolizado a lo largo de una mecha, el transcurrir intervenido o acompañado en el camino al espectador y ese sentido de amenaza que condiciona todo lo percibido. Cierra 26 de noviembre de 2025
Sala del Tesoro
Pedro Leopoldo Alberti – Escribe: Roberto Cantoro
Dos obras del artista Pedro Leopoldo Alberti, pertenecientes al patrimonio del Museo Municipal de Río Cuarto. Pedro Leopoldo Alberti nació en la provincia de Córdoba el 18 de diciembre de 1949. Se formó en la Escuela Provincial de Bellas Artes Figueroa Alcorta, donde obtuvo el título de Profesor de Dibujo y Pintura y más tarde ejerció la docencia. También fue arquitecto egresado de la Universidad Nacional de Córdoba.
A lo largo de su trayectoria, Alberti expuso en Córdoba, Mendoza y Buenos Aires, participando en salones nacionales, provinciales y regionales. Fue seleccionado para el Premio Internacional Dibuix Joan Miró (Barcelona, España) e invitado por la Fundación Lorenzutti para representar a Córdoba en el Panorama de la Pintura Joven de Argentina.
En 1972, junto con un grupo de jóvenes artistas, fundó el Club de Artistas Plásticos de Córdoba, con el objetivo de promover y difundir la producción artística local, tanto en el país como en el exterior. Cierra 26 de noviembre de 2025